segunda-feira, 31 de outubro de 2011

Brownie Six 20 ou Ford modelo T

O que Ford Modelo-T fez para o mundo dos automóveis, Brownie da Kodak câmara fez para a fotografia - que trouxe a fotografia para o povo. Antes do Brownie, câmeras e fotografia foram deixadas principalmente para os profissionais para lidar com eles. A Brownie foi o modelo de consumo primeiro ultra-acessíveis oferecidos pela Kodak, ou qualquer outra empresa por essa matéria, originalmente varejo por US $ 1 em 1900. Kodak fez algumas câmeras produzem mais cedo e mais caro considerável anterior à Brownie - a câmera Kodak original vendido por US $ 20 em 1888, muito longe do Brownie $ 1. O Brownie explodiu sobre o mercado e foi o Brownie que pavimentou o caminho para os milhões de apontar e disparar em câmeras que adornam o mundo de hoje.
Você pode estar pensando, por que é uma câmera de cem anos de idade hoje a ser revisto? É que isto vai ser uma lição de história, ou haverá informações úteis alimentados para mim? Eu prometo que você também não, e esperança para um toque do último. Kodak produziu muitas câmeras sob o nome de Brownie, o último produzido na década de 1980 para o mercado brasileiro. O original era uma câmera Kodak caixa e continuou a produzir Box Brownies até final dos anos 50 ou início dos anos 60. O alvo Brownie Six-20 é um dos modelos mais recentes da Caixa Brownies produzido, que vendeu em 1946-1952 para US $ 3,50. A câmera de caixa é, como o próprio nome sugere, uma câmera em forma de uma caixa. Dentro da caixa é onde o rolo de filme se senta. Na frente da caixa é a lente e obturador, e do lado é o botão de disparo e um botão de vento filme. Isso é o básico, e no 60 anos da Box Brownie primeira até a última Box Brownie, não mudou muito. As principais diferenças, além detalhando estética, entre o Brownie original ea de destino Brownie Six-20 é que o alvo Six-20 tem duas paragens de abertura, dois visores [um para o retrato, uma para paisagem], e tem um obturador cronometrado liberação, bem como uma definição de lâmpada [com o bulbo definindo o obturador permanece aberto enquanto o botão do obturador é pressionado].
Artesanato: O fato de que depois de 50 anos, a Kodak Brownie Six-alvo-20 ainda pode tirar fotos boas, diz algo sobre o navio artesão. Ainda é sólida e não vaza luz. O mecanismo de obturador é tão bom como sempre. Construído de forma resistente. Devo dizer que a maioria das câmeras feitas hoje não vai ficar o mesmo teste do tempo. O Brownies Caixa são construídos simples, e assim eles permanecem simples e têm muito menos para quebrar. Câmeras de hoje, além de ser feita de plástico barato, tem um milhão de pedaços de complicação dentro deles, e isso é um milhão de pedaços de coisas que podem dar errado, e eles fazem. Grande problema com as câmeras de hoje: baterias. Se a bateria morre, você não pode tirar uma foto, não importa quão grande um momento Kodak é. O Brownies Box não tem pilhas, e, assim, elas continuam a ser capazes de tirar fotos depois que a bateria se torna obsoleto.
Processo: Agora, você pode dizer para si mesmo: "Esta é uma câmera de 50 anos Não há nenhuma maneira você pode obter filme para ele." Na verdade, eu pensei que isso pode ser verdade, mas browniecamera.com tem uma página dedicada a lugares que ainda vendem "não-popular" formatos de filme. [Nota: Muitas casas desenvolvimento profissional phography irá processar e imprimir a maioria dos formatos de filmes lá fora. Não espere que seu supermercado local para poder embora.] Embora, mesmo se você não tem filme para o seu Box Brownie, você ainda pode tirar fotos com ele. O método que eu usei, o que provavelmente é um método acessível a menos pessoas do que está comprando difícil encontrar filmes na internet [este método é atualmente inacessível para mim, assim], é o método do papel-negativos. Para este método, você precisa ter acesso a uma câmara escura. Para aqueles de vocês que não têm acesso a uma sala escura Eu sugiro que você use o seu filme em Brownie. Eu não ofereço esta informação para excluir aqueles que não têm acesso a uma sala escura, mas em vez disso, oferecem informações como adicionado para aqueles que têm acesso. Passo 1: Corte em tiras de papel fotográfico que vai caber na caixa da câmera. Descobri que uma folha de 8 "x 10" papel fotográfico renderia duas faixas para o destino da Kodak Brownie Six-20. Certifique-se de fazer o corte na sua câmara escura ou colocar adequadamente lightless outros. Passo 2: colocar uma tira de papel na caixa, emulsão lado de fora, é claro. Mais uma vez, fazer isso no seu quarto escuro. Passo 3: Vá e fotografia! Você precisará fazer um pouco de testes para determinar abertura apropriada e velocidades do obturador. Nota importante: na parte de trás do Brownie há uma viewspace transparente vermelho que é usado para ver quantas exposições que tomou. Se você estiver usando filme 620 normal com ele, então você não precisa se preocupar com ele, como o filme tem uma leve camada de protecção contra-no lado que enfrenta o viewspace, mas se você estiver usando papel fotográfico, você pode precisar de fita -lo para mantê-lo à prova de luz. Achei que eu não precisava a menos que eu ia ser à luz com a câmera por mais de alguns minutos. Passo 4: Processo a faixa como se fosse uma impressão normal. Isso irá produzir um papel negativo. Etapa 5: Para acabar com um positivo em papel a partir desta negativa, coloque o negativo face para baixo diretamente em cima de um pedaço de papel fotográfico não exposto. Faça o seu teste de exposição sob o seu ampliador fotográfico, como faria normalmente. Quando estiver satisfeito, expor, processo e lá vai você - você tem uma impressão de papel-positivos de sua Box Brownie!
Qualidade: Devo dizer que eu era severamente encantado com a qualidade das imagens que eu fotografei com o alvo Brownie Six-20. Usando o papel negativo para produzir um papel positivo produziu uma qualidade muito fantasmagórico que torna a imagem parece já envelhecido, e do passado. Todo o processo eo fato de que as imagens foram tiradas com um Box Brownie adicionar para o efeito. Eu levei o mesmo papel-negativos e digitalizado-los, e invertida que eles sejam positivos. Eu estava igualmente impressionado com o detalhe das imagens - ultra-afiadas e bom contraste [que é fã de contraste? me.]. Eu não usei o alvo Six-20 com o filme, mas há algumas galerias, de imagens tomado recentemente usando Box Brownies, sobre e links a partir de browniecamera.com e Cobrança Chris Eva Câmera Kodak, e eles parecem produzir boas imagens. Aqui está um exemplo do vs papel negativo a inversão digitalizados.
Diversão: Se você está procurando frat-partido do divertimento em grupo, então a Kodak Brownie Six-alvo-20 não é a sua câmera. Não espere para entrar em uma sala lotada ou no bar com o seu Box Brownie e que todos pensem que ele é a coisa mais legal por aí. É mais a câmera para o entusiasta, o experimentor. Se você estiver em explorar o desconhecido, ou o velho em sua fotografia, então esta é uma ótima câmera para experimentar. Tomadas de um ponto de vista de professor, o Brownie Box pode ser bastante agradável.
Características / Acessórios: Bem, como descrito acima, a Kodak Brownie Six-alvo-20 não tem muito na forma de recursos ou acessórios. Esta câmera é uma das câmeras mais básicas que você pode chegar em suas mãos. Isso não quer dizer que menos recursos são uma coisa má. Au contraire. Às vezes, ele pode ser bastante refrescante para pegar uma câmera que tudo que você precisa fazer é apertar um botão em vez de focar as idades gastos e ajustar a abertura só para ter o pop gopher bonitinho de volta em seu buraco.
Preço: Algumas pessoas acham que uma câmera velha, como um Box Brownie, custaria um bom pedaço de moeda. Não faz e não deveria. O Brownies Box, através dos tempos, originalmente distribuídos entre US $ 1 e US $ 5 USD, e por isso preço baixo, baixo, milhões foram vendidos e eu imagino que, embora uma grande parte destes foram expulsos ou destruídos, ainda existem milhões lá fora, para ser tido. Eu não estou indo dar-lhe muito na maneira de fontes on-line para encontrar um Brownie, porque eu duvido que a obtenção de uma linha não vale a pena, a menos que você viver longe de uma cidade de médio porte, como os custos de transporte para obter-se um Brownie é provavelmente mais do que deveria gastar em um próprio. Eu dou-lhe eBay como a única fonte on-line, como você pode ser capaz de chegar a um acordo. Fora isso, exorto-vos a ir para os mercados de pulga, vendas de garagem e lojas de antiguidades, e não a lojas de antiguidades da variedade fantasia-calças porque vai arrancar de você. Tente encontrar as lojas de antiguidades que são embaladas repleto de coisas, e nada é polido - que vai ter mais alguma coisa na faixa de preço que você deve gastar em. Tudo em todos, eu diria que US $ 10 USD é o limite superior para a compra de um Box Brownie, e mesmo que fosse um pouco alto, como é provável que você poderia encontrar um para metade. Dito isto, o Brownie original é provavelmente vale mais, mesmo que apenas para a posteridade.

Conclusão: A única coisa que a Kodak Brownie Six-alvo-20 tem contra ele é que ele requer acesso a uma câmara escura para a técnica do papel-negativo, ou requer difícil encontrar filme. Se você pode lidar com um ou ambos esses requisitos, então a Kodak Brownie Six-alvo-20 é realmente uma câmera de pequeno delicioso que executa a um alto grau considerando quantos anos ela tem. É um produto resistente que resiste ao teste do tempo e produz imagens de alta qualidade que podem exceder as expectativas de quase qualquer entusiasta.
01 julho de 2001
ryan@cameraofthemonth.com

quarta-feira, 26 de outubro de 2011

Fotografo e fotografo genérico

Dando continuidade ao assunto Pula do Gato, percebi que houve que não entendesse o conteúdo total do texto, classificando de simplista.
Na verdade o verdadeiro Pulo do Gato é aquele que esta bem diante de nossos olhos, e não o vemos.Tal como a foto abaixo, já publicada aqui neste blog.

Todos os dias,ou quase quando venho do centro da cidade para minha casa eu observo, tudo ao redor, se posso estacionar, para o carro e fotografo, se não marco o lugar, mentalmente.Isto não foi o que acontecei com a foto acima do Hotel Mercúrio na rua Emiliano Perneta.Aconteceu que o sinal fechou , eu olhei rara o lado, para "uma scaneada básica", puxei a maquina, que esta sempre comigo e fiz 2 fotos antes do sinal abrir.
O Pulo do Gato neste caso, e sempre observar e ter sempre uma camera a mão.Mas, só isto não é necessário, há que ser uma fotografo autentico e para tal visão fotografica, faz toda a diferença.
"Desta forma, eu mato a cobra e mostro o pau".
Minhas fotos estão aqui no blog, no Facebook no Photofolia e no Flirck

fotos 26 out


domingo, 23 de outubro de 2011

O Eterno Ponto de Discussão Ou” O Pulo do Gato”


Entre os fotógrafos eu observo que existe um ponto de discussão, que confunde a arte do comercio, com a arte da fotografia.
Tal como fotografia é uma arte, ela pode ser também um mero instrumento documental,ou ainda um meio de ganhar a vida comercialmente.
Já o comercio é uma coisa só, se compra, se produz e se vende, entretanto não é fácil vender sem ter uma” manha”, uma arte, um propósito de vida.
O pulo do gato é uma expressão que traduz bem, o que é a arte da fotografia, como ela e exercida como tal e também o que é a arte do comercio, o “como proceder corretamente”.
Honestidade ou desonestidade, neste caso seguem caminhos necessariamente paralelos, no caso do comercio.É preciso se entender o que significa ser honesto da mesma forma entender o que significa ser artista, no caso da fotografia.
Ou seja ou se tem o dom artístico, que é um dom que vem do fundo da alma, por isto não existe dois Leonardo da Vinci.
Ou se ao tentar copiar alguém, o fotografo se ilude que ele é um discípulo e esta procedendo de “como tem que ser”.Isto é desonesto e inútil, pois quem o faz nunca vai superar ou se igualar aquém é copiado.
Já no comercio, a desonestidade bem aplicada, pode se tornar um meio licito de vencer na vida, o chamado Pulo do Gato. Um segredo muito bem guardado e que se aprimora com a pratica e acaba se tornando “honesto”
Não existe curso para Pulo do Gato, como também não existe curso para artista.
Ser artista é um estado de ser.
A pessoa pode até fazer um curso de arte fotográfica, no caso,mas este só vai lhe mostrar que caminho seguir.Nunca Fará dele um artista.
Com o advento da fotografia digital ficou só mais fácil, ver o resultado de uma foto, na hora.
Vocação, também é uma coisa que nasce com o individuo.Quando no caso do fotógrafo ele tem o dom artístico, que nasceu com ele, e adquire com o amadurecimento o dom de comercio, que também nasceu com ele, ai ele se torna um grande fotografo.
O malandro no caso pode ser “um grande experto”, mas temporário, ocasional, pois agilidade mental, não se compara ao dom.
Ai se explica porque há fotógrafos bem sucedidos, quer artisticamente, apenas, quer comercialmente, apenas ou em poucos casos Artisticamente e Comercialmente juntos

sexta-feira, 21 de outubro de 2011

quarta-feira, 19 de outubro de 2011

biografias 21


Cristiano Mascaro
  

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Cristiano Mascaro (Catanduva, 22 de outubro de 1944) é um arquiteto e fotógrafo brasileiro.
É um dos mais importantes fotógrafos da urbe e da arquitetura da capital paulista, que documenta sistematicamente há mais de duas décadas.
Atuou como repórter fotográfico na revista Veja, entre 1968 e 1972.
Mestre em estruturas ambientais urbanas, com a dissertação O Uso da Fotografia na Interpretação do Espaço Urbano(1986) e Doutor (1994), com a tese A Fotografia e a Arquitetura, ambos pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo, onde dirigiu o Laboratório de Recursos Audiovisuais entre 1974 e 1988. Foi professor de fotojornalismo da Enfoco Escola de Fotografia (1972-1975) e de comunicação visual na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo de Santos (1976-1986).

Prêmios
    Prêmio Eugène Atget do Musée de l’Art Moderne de la Ville de Paris (1985),
    Bolsa Vitae de Artes
    ↑ Coleção Pirelli / MASP de Fotografia. Autores. Cristiano Mascaro.
Mostras individuais
1974 – Paisagem Urbana, Galeria Enfoco, São Paulo
1976 – Bom Retiro e Luz: um roteiro, Pinacoteca do Estado de São Paulo
1981 – Ninguém Ensina o que Não Sabe, Pinacoteca do Estado de São Paulo
1986 – A Avenida São João, Galeria Fotoptica, São Paulo
1989 – As Melhores Fotos de Cristiano Mascaro, Museu da Imagem e do Som, São Paulo
1991 – As Cidades de São Paulo e do Rio de Janeiro, Galeria Cândido Mendes, Rio de Janeiro
1994 – Brasil: Arquitetura Recente, Deutsches Architektur Museum, Frankfurt
1994 – Casas Brasileiras, Fundação Cultural de Curitiba
1996 – Luzes da Cidade, Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand
1997 – Registros Urbanos, Paço Imperial, Rio de Janeiro
2004 – São Paulo Contemporânea, Instituto Moreira Salles, São Paulo
2006 – Cidades Reveladas, Museu da Casa Brasileira, São Paulo



 um rico material fotografico, no olhar de um, fotografo arquiteto

sábado, 15 de outubro de 2011

fotos dia 16


André Kertész Fotografo Hungaro

André Kertész biografias 20
 
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre
 Nascido Kertész Andor
02 de julho de 1894
Budapeste, Hungria
Morreram 28 setembro de 1985 (aos 91 anos)
New York City, Estados Unidos
Nacionalidade húngara
Fotógrafo ocupação
Religião judaica
Cônjuge Elizabeth Saly

André Kertész (02 de julho de 1894 - 28 Setembro 1985), nascido Kertész Andor, foi um fotógrafo húngaro conhecido por suas contribuições inovadoras para composição fotográfica eo ensaio fotográfico. Nos primeiros anos de sua carreira, seus ângulos de câmera então pouco ortodoxo e estilo de seu trabalho impedido de ganhar maior reconhecimento. Kertész nunca senti que ele tinha ganhado o reconhecimento mundial que ele merecia. Hoje ele é considerado uma das figuras seminais do fotojornalismo.
Esperado por sua família para trabalhar como corretor da bolsa, Kertész perseguido fotografia de forma independente como um autodidata, e seus primeiros trabalhos foi publicado primeiramente em revistas, um grande mercado nesses anos. Isto continuou até muito mais tarde na sua vida, quando Kertész parou de aceitar comissões. Ele serviu brevemente na Primeira Guerra Mundial e se mudou para Paris em 1925, então capital artística do mundo, contra os desejos de sua família. Em Paris, trabalhou para a revista francesa ilustrada primeiro chamado VU. Envolvido com muitos jovens artistas imigrantes e do movimento Dada, ele alcançou o sucesso comercial e crítico.

Devido à perseguição dos judeus da Alemanha e da ameaça da Segunda Guerra Mundial, Kertész decidiu emigrar para os Estados Unidos em 1936, onde teve que reconstruir sua reputação através de um trabalho encomendado. Na década de 1940 e 1950, ele parou de trabalhar para revistas e começou a alcançar maior sucesso internacional. Sua carreira é geralmente dividida em quatro períodos, com base em onde ele estava trabalhando e seu trabalho foi o mais proeminente conhecido. Eles são chamados de período de húngaro, o período francês, o período americana e, ao final de sua vida, o período International.

Início da vida e da educação

Andor Kertész nasceu em 02 de julho de 1894 em Budapeste com a família judia de classe média de Lipót Kertész, um livreiro, e sua esposa, Ernesztin Hoffmann. [3] Andor, conhecido como "Bandi" para seus amigos, era o filho do meio de três filhos, incluindo Imre e Jenő. Quando Lipót morreu em 1908 de tuberculose, a viúva foi Ernesztin sem uma fonte de renda para sustentar seus três filhos. Ernesztin irmão, o Lipót Hoffmann, desde para a família e atuou muito como um pai para os meninos. A família logo se mudou para a propriedade de Hoffman país em Szigetbecse. Kertész cresceu em um ritmo calmo da vida e da definição de pastoral que moldaria sua carreira mais tarde.

Hoffman pagos para as classes de seu sobrinho meio de negócios na Academia de Comércio, até a graduação de 1912, e organizou a sua contratação pela bolsa de valores logo depois. Ao contrário de seu Imre irmão mais velho, que trabalhava na troca em Budapeste para toda a sua vida, Kertész tinha pouco interesse na área. Ele foi atraído para revistas ilustradas e com actividades como a pesca e natação no rio Danúbio, perto de propriedade de seu tio.

Primeiros encontros com a fotografia de Kertész revista inspirou-o a aprender fotografia. Ele também foi influenciado por certos quadros por Lajos Tihanyi e Zilzer Gyula, bem como pela poesia.
período húngaro

Depois de ganhar bastante dinheiro, Kertész rapidamente comprou sua primeira câmera (uma câmera de caixa ICA), em 1912, apesar dos protestos de sua família para continuar sua carreira no mundo dos negócios. Em seu tempo livre, ele fotografou os camponeses locais, ciganos e paisagem das planícies ao redor húngaro (o puszta). Sua primeira fotografia é acreditado para ser "o menino dormir, Budapeste, 1912" [5] Suas fotografias foram publicadas pela primeira vez em 1917 na revista Érdekes Újság, durante a I Guerra Mundial, enquanto Kertész estava servindo no exército austro-húngaro,. Eram publicado pela primeira vez. Já em 1914 (por exemplo, "Eugene, 1914"), seu estilo distinto e maduro já era evidente.

Em 1914, com a idade de 20, ele foi enviado para a linha de frente, onde ele tirou fotos da vida nas trincheiras com uma câmera leve (um Tenax Goerz). [7] A maioria dessas fotos foram destruídos durante a violência do Hungarian Revolução de 1919. Feridos em 1915 por uma bala, Kertész sofreu paralisia temporária de seu braço direito.

Ele foi enviado para a convalescença de um hospital militar em Budapeste, mas foi mais tarde transferido para Esztergom, onde continuou a tirar fotografias. Estes incluíram um auto-retrato para uma competição na revista Borsszem Janko. Sua peça mais famosa deste período foi "Underwater Swimmer, Esztergom, 1917", o trabalho único sobrevivente de uma série de um nadador, cuja imagem é distorcida pela água. Kertész explorou o tema mais a fundo em sua série de "distorções" fotografias durante o início dos anos 1930.

Kertész não curou logo para voltar ao combate, e com a paz em 1918, voltou à bolsa de valores. Lá, ele conheceu sua futura esposa Erzsebet Salomon (mais tarde alterado para Elizabeth Saly), que também trabalhou no câmbio. Ele começou a persegui-la romanticamente. Durante este período de trabalho e toda a sua carreira toda, ele usou Elizabeth como um modelo para suas fotografias. Kertesz também teve inúmeras fotografias de sua Jenő irmão. Kertész deixou sua carreira na bolsa para tentar trabalho agrícola e apícola durante o início dos anos 1920. Este empreendimento foi breve dada a turbulência política que acompanhou a revolução ea vinda de comunismo.

Depois de voltar à bolsa de valores, Kertesz decidiu emigrar, para estudar em uma das escolas de fotografia da França. Sua mãe dissuadi-lo, e ele não emigram por vários anos. Trabalhando durante o dia na bolsa, ele perseguiu a fotografia o resto do tempo.

Em 1923, a Associação de Fotógrafos Amadores húngaro é selecionada uma de suas fotografias para a sua concessão de prata, com a condição de que ele imprimi-lo pelo processo bromoil. Kertész não gostava disso, então recusou a medalha. Em vez disso, ele recebeu um diploma da associação. [7] Em seu 26 junho de 1925, a revista de notícias húngara Érdekes Újság utilizado uma de suas fotografias para a sua cobertura, dando-lhe ampla publicidade. Por esse tempo, Kertész foi determinado para fotografar os locais em Paris e junte-se a sua cultura artística.
período francês
O Garfo, ou La Fourchette, foi tomada em 1928 e é uma das obras mais famosas Kertész, a partir deste período.

Kertész emigrou para Paris em setembro de 1925, deixando para trás sua mãe, sua noiva Elizabeth não oficiais, os dois irmãos, e seu tio Hoffman, que morreu pouco depois. [3] Jenő mais tarde emigrou para a Argentina. Elizabeth Kertész permaneceu até seu futuro marido estava bem o suficiente estabelecido em Paris que eles pudessem se casar. Kertész foi um dos inúmeros artistas húngaros que emigraram durante estas décadas, incluindo François Kollar, Robert Capa, Fehér Emeric, Brassaï, e Bathory Julia. Man Ray, Germaine Krull e Lucien Aigner também emigrou para Paris durante este período.

Inicialmente Kertész teve sobre o trabalho encomendado por várias revistas européias, ganhando publicação da sua obra na Alemanha, França, Itália e Grã-Bretanha. Logo depois de chegar a Paris, Kertész mudou seu primeiro nome para André, que manteve pelo resto de sua vida. Em Paris, ele encontrou o sucesso crítico e comercial. Em 1927, Kertész foi o primeiro fotógrafo a ter uma exposição individual;. Jan Slivinsky apresentou 30 das suas fotografias no "du Sacre Galeria Printemps" Kertesz tornou-se conectado com os membros da Dada crescente movimento. Paul Dermée o apelidaram de "Vidente Brother" e "Eye Seeing Irmão" durante a sua exposição individual em primeiro lugar, aludindo a um mosteiro medieval onde todos os monges eram cegos um bar. Nos anos seguintes, Kertész foi destaque em exposições a solo e shows do grupo. Em 1932, na Galeria Julien Levy, em Nova York, o preço de provas Kertész foi fixado em EUA $ 20 (US $ 322 em 2011), uma grande soma de dinheiro durante a Grande Depressão.

Kertész e outros artistas húngaros formaram um círculo sinérgica, ele foi destaque em exposições com alguns deles mais tarde em sua vida. Visitar seus amigos de escultor, ele era fascinado pelo movimento cubismo. Ele criou retratos de pintores foto Piet Mondrian e Marc Chagall, a Colette escritor, e cineasta Sergei Eisenstein. Em 1928, Kertész passou de placa de vidro utilizando-câmeras para uma Leica. Este período de trabalho foi um dos seus mais produtivos;. ele estava fotografando diariamente, com o trabalho dividido entre comissões revista através do final de 1920 e suas peças pessoais Em 1930, na Exposição Coloniale em Paris, Kertész foi premiado com uma medalha de prata por serviços prestados a fotografia.

Kertész foi publicado em revistas francesas, como Vu e Art et Médecine, para que seu trabalho foi utilizado para inúmeras capas. Sua maior colaboração jornalística foi com Lucien Vogel, o editor francês e editor de Vu. Vogel publicou seu trabalho como ensaios fotográficos, deixando relatório Kertész sobre vários assuntos através de imagens. O fotógrafo ficou intrigado com a variedade de temas atribuídos pela Vogel.

Em 1933, Kertész foi encomendado para a série, Distortion, cerca de 200 fotografias de Najinskaya Verackhatz e Kasine Nadia, dois modelos retratados nus e em várias poses, com suas reflexões pego em uma combinação de espelhos distorção, similar à casa de um carnaval de espelhos. Em algumas fotografias, apenas certos membros ou recursos eram visíveis no reflexo. Algumas imagens também apareceu na edição de 02 de marco da revista "girly" Le Sourire e no 15 de setembro de 1933 questão da Arts et métiers graphiques. Mais tarde naquele ano, Kertész publicou o livro As distorções, uma coleção de de trabalho.

Em 1933 Kertesz publicou seu primeiro livro de fotografias pessoais, Enfants, dedicado a sua noiva Elizabeth e sua mãe, que havia morrido naquele ano. Ele publicou regularmente durante os anos seguintes. Paris (1934) foi dedicado aos seus irmãos e Imre Jenő. N º s Amies les Bêtes (Nossos Amigos dos Animais) foi lançado em 1936 e Cathédrales Les du vin ("As Catedrais do Vinho") em 1937.
Casamento e família

No final de 1920, Kertész se casou secretamente com um retratista francês com o nome de Rosza Klein (ela usou o nome de Rogi André). O casamento durou pouco e ele nunca falou sobre isso.

Em 1930, ele se aventurou de volta à Hungria para visitar sua família. Após seu retorno a Paris, Elizabeth seguiu em 1931, apesar da oposição de sua família. Elizabeth e André permaneceram juntos para o resto de suas vidas. Apesar de sua mãe morrer no início de 1933, casou com Elizabeth Kertész em 17 de junho de 1933. Ele disse ter gasto menos tempo com seus amigos artistas em favor sua nova esposa.

Em 1936, eles emigraram para Nova York, onde dentro de uma década, tornaram-se cidadãos naturalizados. Depois de criar e gerir um negócio bem sucedido cosméticos há anos, em 1977, Elizabeth morreu de câncer.
Enquanto a guerra

Tensões sociais e políticas estavam aumentando na Europa com a força crescente na Alemanha do Partido Nazista. Muitas revistas enfatizou histórias sobre temas políticos e parou de publicar Kertész por causa de seus súditos apolítico. Com sua queda trabalhos encomendados e perseguição dos judeus cada vez maior, Kertész e Elizabeth decidiu se mudar para Nova York. Ele foi oferecido trabalho na agência Keystone propriedade de Ernie Prince. Em 1936, Kertész e Elizabeth embarcou no SS Washington com destino a Manhattan.
Distorção # 49, uma das imagens da série Distortion Kertész teve em 1933

O casal chegou a Nova York em 15 de outubro de 1936, com a intenção de encontrar Kertész fama nos Estados Unidos. Eles viveram no Beaux Arts Hotel em Greenwich Village. Kertész encontrou a vida na América mais difícil do que ele imaginava, começando um período que ele mais tarde referido como a "tragédia absoluta". Privados de seus amigos artistas, ele também descobriu que os americanos rejeitaram ter suas fotos tiradas na rua. Logo após sua chegada, Kertész se aproximou Beaumont Newhall, diretor do departamento de fotografia no Museu de Arte Moderna (MOMA), que estava preparando um show intitulado Fotografia 1839-1937. Oferecendo Newhall algumas das suas fotografias de distorções, Kertesz cerdas em sua crítica, mas Newhall exibiu as fotografias. Em dezembro de 1937 Kertész teve sua primeira exposição individual em Nova York na Galeria PM.

A agência Keystone, que lhe ofereceu trabalho externo, o obrigou a ficar no estúdio da empresa. Kertész tentou retornar para a França para visitar, mas não tinha dinheiro. Pelo tempo que ele tinha guardado o suficiente, a Segunda Guerra Mundial tinha começado e viajar para a França era quase impossível. Suas lutas com o Inglês agravado seus problemas. Anos depois de aprender a falar francês em Paris, era difícil para ele aprender uma outra língua nova. A falta de uma linguagem fluente adicionado ao seu sentimento como um outsider.

Frustrado, Kertész deixou Keystone após o príncipe deixou a empresa em 1937. Ele foi encomendado pelo Bazaar Harper para um artigo sobre a Saks Fifth Avenue loja de departamentos em sua edição abril 1937. A revista continuou a usá-lo em outras questões, e ele também tomou comissões de Town and Country para complementar sua renda. Vogue convidou o fotógrafo para trabalhar para a revista ,mas ele recusou, acreditando que não era de trabalho adequado para ele. Ele optou por trabalhar para a revista Life, começando com uma peça chamada O rebocador. Apesar das ordens, ele fotografou mais do que apenas rebocadores, incluindo obras no porto inteiro e suas atividades. A vida se recusou a publicar as fotografias não autorizadas. Kertész se ressentiam as restrições à sua curiosidade.

Em 25 de outubro de 1938, Look impressa uma série de fotografias Kertesz, intitulado Um bombeiro Goes to School,. Mas eles erroneamente creditado a Ernie Prince, seu ex-chefe Enfurecido, Kertész considerado nunca trabalhar com revistas foto novamente. Seu trabalho foi publicado na revista Coronet, em 1937, mas em 1939 ele foi excluído quando a revista publicou um número especial com o seu "A maioria das fotografias memoráveis". Mais tarde, ele cortou todos os laços com a revista e seu editor Arnold Gingrich. Depois de ser excluído da edição de junho de 1941 Vogue, dedicada à fotografia, Kertesz rompeu relações com eles. Ele tinha contribuído para mais de 30 ensaios fotográficos comissionados e artigos em ambos Vogue e Casa e Jardim, mas foi omitido da lista de fotógrafos de destaque.

Em 1941, o casal Kertesz foram designados como estrangeiros inimigos por causa da Segunda Guerra Mundial (Hungria estava lutando ao lado das potências do Eixo). Kertész não era permitido fotografar ou ao ar livre para que qualquer projecto relacionado com a segurança nacional. Tentando evitar problemas porque Elizabeth tinham começado uma empresa de cosméticos (Cosmia Laboratories), Kertész deixou de fazer um trabalho encomendado e essencialmente desaparecido do mundo fotográfico para três anos.

Em 20 de janeiro de 1944, Elizabeth tornou-se um cidadão dos EUA,. Kertész e foi naturalizado em 03 de fevereiro Apesar da concorrência de fotógrafos como Irving Penn, Kertész trabalho recuperou comissionados. Ele foi omitido da lista de 63 fotógrafos que Vogue é identificado como importante na sua "árvore genealógica fotográfica". Mas, Casa e Jardim encomendado a ele para fazer fotos para uma edição de Natal. Além disso, em junho de 1944 László Moholy-Nagy, diretor da Bauhaus New - American School of Design ofereceu-lhe uma fotografia ensino posição. Apesar da honra, ele recusou a oferta.

Em 1945, Kertesz publicou um novo livro, o dia de Paris, composta por fotografias tiradas pouco antes de sua emigração da França. Ela ganhou críticos de sucesso. Com as empresas de cosméticos da sua esposa crescendo, Kertész acordado em 1946 para um contrato de longo prazo, de exclusividade com Casa e Jardim. Embora restrita sua liberdade editorial e exigiu muitas horas no estúdio, o pagamento de pelo menos 10.000 dólares EUA por ano (112.000 $ por ano em 2011) foi satisfatória. Todos os negativos fotográficos foram devolvidos a ele dentro de seis meses para seu próprio uso.

Kertész trabalhou nas configurações de muitos lares e locais famosos notáveis, bem como no exterior, onde viajou de novo na Inglaterra, Budapeste e Paris, renovar amizades e fazer novos. Durante o período de 1945-1962 na Casa e Jardim, a revista publicou mais de 3.000 de suas fotografias, e ele criou uma grande reputação na indústria. Com pouco tempo para seu trabalho pessoal, Kertész sentiu fome de ser capaz de exercitar a criatividade artística mais.
Mais tarde
Kertész (direita) e Robert Doisneau, em Arles, sul da França, em 1975
Em 1946, Kertész teve uma exposição individual no Instituto de Arte de Chicago, com fotografias de seu dia de Paris série. Kertész disse que este era um de seus maiores tempos nos Estados Unidos. [7] Em 1952, ele e sua esposa se mudaram para um apartamento no 12 º piso, perto de Washington Square Park, o cenário para algumas de suas melhores fotografias desde tendo imigrado para os EUA . Usando uma lente telefoto, ele tomou uma série de coberta de neve Washington Square, mostrando silhuetas numerosos e faixas. Em 1955, ele foi insultado ter seu trabalho excluído quando Edward Steichen de The Family of Man Show foi destaque no MOMA. Apesar do sucesso do show de Chicago, Kertesz não ganhou outra exposição até 1962, quando suas fotos foram mostradas na Universidade de Long Island.
período Internacional

Para o fim de 1961, Kertesz quebrou o contrato para publicação Condé Nast depois de uma disputa menor, e começou a fazer seu próprio trabalho novamente. Este período posterior de sua vida é muitas vezes referida como o "período Internacional" [9], quando ele ganhou reconhecimento em todo o mundo e suas fotos foram exibidas em muitos países. Em 1962 seu trabalho foi exibido em Veneza, em 1963, ele foi um dos artistas convidados da Mostra Internazionale della Biennale IV Fotografia lá e ele foi premiado com uma medalha de ouro pela sua dedicação à indústria fotográfica. Mais tarde, em 1963, seu trabalho foi mostrado em Paris, na Bibliothèque Nationale de France. Mais tarde, ele visitou a Argentina para ver sua Jenő irmão mais novo pela primeira vez em anos. [8] Kertész experiências com fotografias a cores, mas só produziu alguns.

Em 1964, logo após John Szarkowski se tornou o diretor de fotografia no Museu de Arte Moderna, ele apresentou Kertész em um show solo. [7] Com o seu trabalho aclamado pela crítica, Kertesz ganhou reconhecimento no mundo fotográfico como um artista importante. A obra de Kertész foi destaque em inúmeras exposições em todo o mundo em sua vida mais tarde, ainda em seu início dos anos noventa. Devido ao seu sucesso recente, em 1965 Kertész foi nomeado como membro da Sociedade Americana de Fotógrafos de Mídia.

Seus prêmios acumulados rapidamente:
    1974, Guggenheim Fellowship;
    1974 Commander, dos franceses Ordre des Arts et Lettres des;
    1977, Prêmio Prefeito de Honra de Artes e Cultura, em Nova York,
    1980, a Medalha da Cidade de Paris, eo primeiro prêmio anual da Associação de Concessionárias de Fotografia Internacional de Arte em Nova Iorque, e
    1981 Doutorado, honorário de Belas Artes da Bard College, e Prêmio do prefeito de Nova York de Honra de Artes e Cultura naquele ano.
Durante este período, Kertész produziu uma série de novos livros. Ele foi capaz de recuperar alguns dos negativos que havia deixado na França décadas antes.
Um modelo de câmera SX-70 semelhante ao experimentado com um Kertész no final de 1970 e na década de 1980
Apesar de seus sucessos, Kertész sentiu ainda não reconhecido como fotógrafo. Seus últimos anos foram gastos viajando para vários locais ao redor do globo para suas exposições, especialmente Japão e reacender amizades com outros artistas. Para lidar com a perda de sua esposa em 1977, Kertész caiu para trás em sua nova rede de amigos, muitas vezes visitá-los para conversar. Por esta altura, ele disse ter aprendido Inglês básico e falou no que seus amigos chamado "Kertészian", uma mistura de Húngaro, Inglês e Francês.

Em 1979, a Polaroid Corporation deu-lhe um dos seus novos SX-70 câmeras, que ele experimentou na década de 1980. Continua crescendo em fama, Kertész recebeu o Grande Prémio Nacional de Fotografia, em Paris, em 1982, bem como o 21 Anual George Washington Award da American Foundation Húngaro mesmo ano. Seu representante, Susan Harder, era ativo na promoção do reconhecimento de suas contribuições à história da fotografia.
Legado e homenagens

    1983, Doutorado honoris causa do Royal College of Art, e título de Chevalier de la Légion d'honneur em Paris, juntamente com um apartamento para futuras visitas à cidade;
    1984, o Prêmio do Maine Photographic Workshop de da primeira Achievement anual Lifetime;
    1984, aquisição de 100 cópias pelo Metropolitan Museum of Art, a sua maior aquisição da obra de um artista vivo
    1985, Californian distinta carreira na Photography Award;
    1985, Master Anual primeiro Photography Award, apresentado pelo Centro Internacional de Fotografia, e
    1985, Doutorado honoris causa em Belas Artes pela Escola de Design Parsons da New School for Social Research.

Kertész morreu tranqüilamente em seu sono em casa em 28 de Setembro de 1985;. Ele foi cremado e suas cinzas foram enterradas com os de sua esposa
[Editar] Avaliação crítica

Durante a maior parte de sua carreira Kertész foi descrito como o "soldado desconhecido", que trabalhou nos bastidores da fotografia, mas raramente era citado por seu trabalho, mesmo na sua morte em 1980. [9] Kertész pensou-se reconhecido ao longo de sua vida, apesar gastar sua vida na eterna busca de aceitação e fama. Embora Kertész recebeu inúmeros prêmios pela fotografia, ele nunca sentiu tanto o estilo dele e que foi aceite pela crítica e pelo público das artes. Embora, em 1927, ele foi o primeiro fotógrafo a ter uma exposição individual, Kertész disse que não foi até sua exposição 1946 no Instituto de Arte de Chicago, que ele sentiu pela primeira vez, ele recebeu críticas positivas sobre o seu trabalho, e muitas vezes cita esse show como um de seus melhores momentos na América. Durante a sua estada na América, ele foi citado como sendo um artista intimista, trazendo o espectador para o seu trabalho, mesmo quando a imagem era a de temas como a intimidante Nova York e até mesmo seu trabalho reproduzido impressa depois de sua morte recebeu boas críticas; "Kertesz foi acima de tudo, um fotógrafo consistentemente bem" o trabalho Kertész em si é muitas vezes descrita como predominantemente utilizando luz e até mesmo Kertész mesmo disse que "eu escrever com luz" Ele nunca foi considerado como "comentário.. "em seus súditos, mas sim capturá-los - esta é muitas vezes citada como por seu trabalho é muitas vezes esquecido, ele preso a nenhuma agenda política e não ofereceu pensamento mais profundo para suas fotografias que não seja a simplicidade de vida. Com o sentimento íntimo de sua arte e tom nostálgico, Kertész de imagens aludiu a um sentido de intemporalidade que foi, inevitavelmente, apenas reconhecida após sua morte. Ao contrário de outros fotógrafos, o trabalho Kertész deu um insight sobre a sua vida, mostrando uma ordem cronológica de onde passou o seu tempo;  por exemplo, muitas das suas fotografias francesas foram de cafés, onde passou a maior parte de seu tempo à espera de inspiração artística

Embora raramente Kertész recebeu críticas negativas, foi a falta delas que levam ao fotógrafo sentindo distante de reconhecimento. Agora, porém, ele é muitas vezes considerado o pai do fotojornalismo [14] Mesmo outros fotógrafos citar Kertész e suas fotografias como sendo inspiradora;. Henri Cartier-Bresson disse uma vez por ele no início dos anos 1930, "Todos nós lhe devemos um grande negócio ".
Os trabalhos selecionados