http://mais.uol.com.br/view/f4d5g8hwtbxo/camera-fotografica-mais-antiga-do-mundo-e-vendida-04029C3964D0A15386?types=A&
http://mais.uol.com.br/view/1xu2xa5tnz3h/exposicao-mostra-o-lado-fotografo-de-luis-bunuel-04023770D0B11326?types=A&
http://mais.uol.com.br/view/f4d5g8hwtbxo/exposicao-mostra-o-lado-mais-humano-dos-lideres-mundiais-04023460E0A943C6?types=A&
http://mais.uol.com.br/view/f4d5g8hwtbxo/exposicao-mostra-imagens-de-grandes-tragedias-mundiais-04024D1A3570CCB10326?
types=A&
http://oimoda.com.br/news/o-fotografo-frances-guy-bourdin-ganha-retrospectiva-da-sua-obra-em-porto-alegre/
quarta-feira, 31 de agosto de 2011
Guy Bourdin- biografias 5
Guy Bourdin- biografias 5
Comentário Acompanhei a carreira de Guy Bourdin, através da Revista PHOTO francesa da qual fui assinante durante muitos anos.Ele foi sem duvida um dos maiores fotógrafos de moda do século XX.Dono de uma linguagem Fotográfica própria ele nos surpreendia a cada novo trabalho, sua vida pessoal não foi fácil o que não o impediu de ser um grande fotografo, que influenciou muitos outros que surgiram depois
Obs: Ele foi um fotografo da era pré-photoshop
Guy Bourdin
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre
Guy Bourdin Louis (02 dezembro de 1928 em Paris - 29 mar 1991 em Paris), nascido Guy Louis Banares, era um francês fotógrafo de moda .
Vida e carreira
Guy Louis Banares nasceu 02 de dezembro de 1928, às 7 da Rue Popincourt, Paris .Ele foi abandonado por sua mãe no ano seguinte, e foi aprovado por Maurice Désiré Bourdin, que o criou com a ajuda de seu mãe Marguerite Legay.
Durante o serviço militar em Dakar (1948-1949), ele recebeu seu treinamento fotografia primeiro como um cadete da Força Aérea Francesa .
Em 1950 ele retornou a Paris, onde conheceu Ray Man , e tornou-se seu protegido. Bourdin fez sua primeira exposição de desenhos e pinturas na Galerie, Rue de la Bourgogne, Paris. [1] Sua primeira exposição fotográfica foi em 1952. Bourdin exibidos sob o pseudônimo de Edwin Hallan em seu início de carreira.
Seus tiros de moda primeiros foram publicados na edição de fevereiro da Vogue Paris em 1955. Ele continuou a trabalhar para a revista até 1987.
Bourdin casado Solange Marie Louise GEZE em 1961, que deu à luz seu único filho, Samuel, em 1967. Sua esposa morreu de uma doença cardíaca, na Normandia, em 1971.
Um editor da revista Vogue introduzido Bourdin a designer de calçados Charles Jourdan, que se tornou seu patrono, e campanhas de Bourdin tiro Jourdan de anúncios entre 1967 e 1981. Sua peculiar composições antropomórfico, mise en intrincada anúncios cena foram muito reconhecido e sempre muito esperada pelos meios de comunicação.
Em 1985, Bourdin recusou o Grand Prix National de la Photographie, concedido pelo Ministério da Cultura francês , mas seu nome é mantido na lista de vencedores do prêmio.
Bourdin foi um dos mais conhecidos fotógrafos de moda e publicidade da segunda metade do século 20. Ele compartilhou Helmut Newton 's gosto pela controvérsia e estilização, mas ousada formais Bourdin e do poder narrativo das suas imagens excedeu os limites da fotografia publicitária convencional. Expectativas quebrando e limites questionamento, ele preparou o terreno para um novo tipo de fotografia de moda. Bourdin trabalhou para Vogue e Harpers Bazaar , e atirou as campanhas publicitárias de Chanel , Issey Miyake , Emanuel Ungaro , Gianni Versace , Loewe , Pentax e Bloomingdale .
Desde sua morte, Guy Bourdin foi saudado como um dos maiores fotógrafos de moda de todos os tempos, e seu filho Samuel Bourdin lançou um livro com as melhores impressões do trabalho de seu pai, chamada "Exhibit A" em 2001 (co-editado com Fernando Delgado). Sua primeira exposição retrospectiva foi realizada no Museu Victoria & Albert , em Londres 2003, e depois visitou a Galeria Nacional de Victoria, em Melbourne , e Jeu de Paume , em Paris.
Estilo e temas
Bourdin foi o primeiro fotógrafo a criar uma narrativa complexa, em seguida, arrebatar um momento - sensual, provocante, chocante, exótico, surreal, às vezes sinistras - e associá-lo simplesmente com um item de moda. As narrativas foram estranhas e misteriosas, às vezes cheios de violência, sexualidade e surrealismo. Bourdin foi influenciado por seu mentor Man Ray , o fotógrafo Edward Weston , os pintores surrealistas Magritte e Balthus , e cineasta Luis Buñuel . Embora muito menos conhecido do público do que seu colega Helmut Newton (também a trabalhar para a Vogue), Bourdin, possivelmente, foi mais influente sobre as novas gerações de fotógrafos de moda.
Vida pessoal
Guy Bourdin era um homem baixo com uma voz chorosa, e tinha uma reputação de ser incrivelmente exigente. Rumores escuro o rodeava:. Sua mãe abandonando-o como uma criança, o suicídio de sua esposa e duas de suas namoradas, e crueldade com que tratava seus modelos
Desde sua morte
Bourdin não era um natural de auto-promotor, e não recolher o seu trabalho ou fazer qualquer tentativa de preservá-los, na verdade ele se recusou várias ofertas de exposições, rejeitou as idéias para livros, e queria que o seu trabalho destruído após a sua morte (mas desde que ele didn 't manter muito do seu trabalho para si mesmo, felizmente a maior parte dele foi salvo). O primeiro grande livro dedicado ao seu trabalho foi Exhibit A (mencionados acima), lançado 10 anos após sua morte.
Madonna vídeo da música de 2003 para Hollywood foi fortemente influenciado pela fotografia de Bourdin, tanto que uma ação judicial foi interposto em contra ela pelo filho de Bourdin por violação de direitos autorais.
Mert Alas e Marcus Piggott , Jean Baptiste Mondino , Nick Knight e David LaChapelle têm admitido a ser grandes admiradores de seu trabalho.
Um programa de documentário, Dreamgirls: As fotografias de Guy Bourdin, foi exibido pela BBC em 1991. Fotógrafos de moda, como Helmut Newton e Jean-Baptiste Mondino falou sobre como conseguiu Bourdin sua própria maneira de fazer fotografia de moda.
Referências
Bure, Gilles de; Guy Bourdin, Thames & Hudson, Londres 2008
http://www.studio-international.co.uk/photo/bourdin.asp
b http://www.guybourdin.org/bio/
"Guy Bourdin influenciou uma geração de fotógrafos com imagens tiradas de sua sádica próprio apetite para a perversão sexual." Wood, Gaby (2003/04/13). "Morte se torna seu" . Cultura ( The Observer . Retirado 2009/05/21.
Blahnik, Manolo (2003/04/08). "Os nus e os mortos" . Estilo seção ( The Daily Telegraph . Retirado 2009/05/21.
Madonna acusada de pirataria Imagem - The Smoking Gun
Ligações externas
guybourdin.org
Guy Bourdin @ pHinnWeb
MADEinPHOTO.fr Galeria dos fotógrafos mais importantes do século XX °
domingo, 28 de agosto de 2011
Noticia fresquinha
O sonho de consumo que "era" ter um Mackintoch, parece que chegou ao fim.leiam a materia no link abaixo:
quinta-feira, 25 de agosto de 2011
Sebastião Salgado Um diamante Brasileiro Biografias 4
Sebastião Salgado Um diamante Brasileiro Biografias 4
Minha opinião:
Brilhar lá fora não significa apenas ser mais bem pago e muito menos ser simplesmente “famoso”.Significa sim ter um talento verdadeiro, reconhecido por todos e não apenas pela mídia ou um grupo de interesseiros ou bajuladores...
Apesar da fotografia ser inventada “La fora” a Fotografia no Brasil, segundo o site acima, é coroada de nomes vindos de outros países e que se tornaram brasileiros por adoção
Mas o que eu quero enfocar aqui é um Sebastião, bem mineiro, bem Brasileiro e por ter nascido também como eu nestes pais, brilhar lá fora é que é o mérito em questão.
Até onde estou informado, muitos fotógrafos brasileiros , inclusive alguns atuais tentaram fazer sucesso la fora e voltaram não exatamente derrotados, mas com a triste realidade de conseguirem ser apenas “mais um”.
O Nosso mineiro Sebastião, conseguiu não só se estabelecer lá fora, mas também se
tornar uma personagem mundial, vindo dum país chamado Brasil.
E só para acompanhar o significado, convido o leitor a me citar apenas uma marca de automóvel, 100% Made in Brazil, que esta sendo produzido , vendido e rodando Hoje
Pelo nosso país e mais importante ainda sendo exportado.
Sendo assim o brilho de Sebastião Salgado, não se resume apenas na arte fotográfica,
o que seria o bastante, mas a sua consagração internacional.
Ao longo dos últimos 40 anos venho acompanhando o surgimento de grande fotógrafos,
nacionalmente consagrados e aceitos neste país.
O mais recente exemplo de brilhar La fora na atualidade é o paulista Vik(Vivente) Muniz, mas isto será assunto para um outro dia em especial.
A melhor biografia que encontrei:
Fonte: http://passeandopelocotidiano.blogspot.com/2010/10/por-tras-da-lente-sebastiao-salgado.html
Por Trás da Lente - Sebastião Salgado
Normalmente, imaginamos parte dos fotógrafos como profissionais que circulam em ambientes de glamour, clicando mulheres e homens bonitos para sairem nas revistas, anúncios e reportagens diversas. Mas há exceções, como Sebastião Salgado.
Sebastião Ribeiro Salgado nasceu em Aimorés, Minas Gerais, em 1944, e é um fotógrafo brasileiro reconhecido mundialmente por seu estilo único de fotografar. Ele é um dos mais respeitados fotojornalistas da atualidade. Nomeado como representante especial da UNICEF em 3 de abril de 2001, dedicou-se a fazer crônicas sobre a vida das pessoas excluídas, trabalho que resultou na publicação de dez livros e realização de várias exposições, tendo recebido vários prêmios e homenagens na Europa e no continente americano. "Espero que a pessoa que entre nas minhas exposições não seja a mesma ao sair", diz Sebastião Salgado. "Acredito que uma pessoa comum pode ajudar muito, não apenas doando bens materiais, mas participando, sendo parte das trocas de idéias, estando realmente preocupada sobre o que está acontecendo no mundo".
Salgado é formado em economia pela Universidade de São Paulo, mas na década de 80 decidiu dedicar-se à fotografia. Alguns de seus livros são “Outras Américas” (1986); “Sahel: Homem em pânico” (1986); “Trabalhadores rurais” (entre 1986 e 1992). Na introdução de Êxodos, escreveu: "Mais do que nunca, sinto que a raça humana é somente uma. Há diferenças de cores, línguas, culturas e oportunidades, mas os sentimentos e reações das pessoas são semelhantes. Pessoas fogem das guerras para escapar da morte, migram para melhorar sua sorte, constroem novas vidas em terras estrangeiras, adaptam-se a situações extremas…".
Trabalhando inteiramente com fotos em preto e branco, o respeito de Sebastião Salgado pelo seu objeto de trabalho e sua determinação em mostrar o significado mais amplo do que está acontecendo com essas pessoas criou um conjunto de imagens que testemunham a dignidade fundamental de toda a humanidade ao mesmo tempo que protestam contra a violação dessa dignidade por meio da guerra, pobreza e outras injustiças.
Sebastião Salgado foi internacionalmente reconhecido e recebeu praticamente todos os principais prêmios de fotografia do mundo como reconhecimento por seu trabalho. Fundou em 1994 a sua própria agência de notícias, "As Imagens da Amazônia" , que representa o fotógrafo e seu trabalho. Salgado e sua esposa Lélia Wanick Salgado vivem atualmente em Paris, sendo ela autora do projeto gráfico da maioria de seus livros. O casal tem dois filhos.
Recomendamos aos que não gostam de emoções fortes, pularem o clip abaixo, porém, ele dá uma pequena dimensão da obra artística e humanitária deste grande fotógrafo. E repetimos suas palavras: "ninguém sai o mesmo ao ver uma coletânea das fotos de Sebastião Salgado".
quarta-feira, 24 de agosto de 2011
Pete Turner Biografias 3
Pete Turner (fotógrafo)
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre
Pete Turner (nascido em 30 de maio de 1934 em Albany, Nova Iorque ) é um fotógrafo americano. Ele é talvez mais conhecido como um dos primeiros mestres da fotografia colorida. PDN votou-o como um dos 20 fotógrafos mais influentes de todos os tempos e em 1981 a ASMP] concedeu-lhe o prestígio Outstanding Achievement em honra Fotografia.
Observou o crítico AD Coleman descreveu o trabalho de Pete Turner como tendo "Um senso dramaturgo de evento, coloração intensa e saturada, e uma distinta se alteridade indescritível são onipresentes em imagens de Turner".
Graduou-se na Rochester Institute of Technology em 1956, juntamente com o colega colegas Bruce Davidson e Uelsmann Jerry .
Suas fotografias estão nas coleções permanentes de grandes museus muitos, incluindo o MEP em Paris, o Tokyo Metropolitan Museum of Photography e ICP em Nova York. O George Eastman House , em Rochester é o depositário do trabalho ea vida de Turner e onde sua exposição retrospectiva, "Pete Turner: Autorizado pelo Color", inaugurado em 2007.
Em 1986, Turner publicou sua primeira monografia, fotos, Pete Turner ( Abrams ). Seu segundo livro, Pete Turner Africano Journey ( Graphis Inc. , 2001), muitas aventuras documentos Turner na África, começando com a sua caminhada em 1959 da Cidade do Cabo ao Cairo com Wally Byam 's caravana famosa Airstream. The Color of Jazz ( Rizzoli , 2006) é uma coleção abrangente de seu álbum provocativas capas de Registros CTI entre muitos outros.
Ligações externas
COMENTARIO
Um Pete Tuner moderno: Veja o site abaixo.Na minha opinião eles são semelhantes no esmero com a cor. Entretanto cada um tem sua visão fotográfica individual.
Publico aqui 1 imagem de Tuner, melhor visualizar todo o trabalho no link acima.
Um filme que fez historia.
O Kodachrome foi um filme de slides, de altíssima definição e fidelidade de cores, entretanto como cita a matéria abaixo , havia poucos laboratórios no mundo capazes de revelar este filme, ao contrario do Ektachrome, que até um amador mais avançado poderia montar seu próprio laboratório sem grandes dificuldades e revelá-lo.
É claro que o resultado, mesmo a nível profissional nunca era o mesmo.
Sendo o Ektachrome, um filme com muitos laboratórios espalhados pelo mundo, só poucos artistas fotógrafos, especialistas em cor, como Pete Turner, usavam constantemente o Kodachrome e não abriam mão dele.
Hoje em dia, no photoshop dá para se dar a uma foto o que eu chamo de “efeito Kodachrome”. É claro que dá um trabalhinho a mais, não é um simples acerto de cor, e para ser visível o assunto a ser fotografado preciso ser bem escolhido.
Fotógrafos como http://www.stephenwilkes.com/ conseguem dar este efeito, “até mesmo sem querer”; Visitem o site dele e vocês vão poder ver do que eu estou falando.
A Era Kodachrome acabou recentemente, mas a sua fama permanece nos trabalhos de
Pete Turner e outros grandes fotógrafos do tempo analógico.
Kodachrome
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
Kodachrome é a marca registrada de um filme diapositivo produzido comercialmente pela Kodak a partir de 1935[1]. Desde então foi produzido em diversos formatos para fotografia e cinema (8mm, 16mm, 35mm). Atualmente, já não é produzido.
Kodachrome é reputado como um dos melhores filmes disponíveis, graças às suas qualidades de reprodução de cor e arquivamento.
O filme usa o processo de revelação K-14. Devido à complexidade desse processo, no máximo existiram 25 laboratórios em todo o mundo a revelarem este filme. O laboratório, Dwayne`s Photo em Kansas, EUA ofereceu o serviço até ao final de 2010
No dia 22 de junho de 2009 a Kodak anunciou que irá interromper a produção do Kodachrome.
Dois exemplos do ultimo filme Kodachrome.
sábado, 20 de agosto de 2011
Pintores & Fotógrafo Cultura 1
A necessidade de contar uma historia ou documentar um fato através da imagem começou nos tempos das cavernas e foi evoluindo passando pela pintura, nos seus diversos estilos, e em seguida se fez necessário inventar algo que fosse mais ágil, e foi assim que a duras penas inventou-se a fotografia.
Dos tempos das cavernas para cá esta necessidade, se tornou cada vez mais refinada ao ponto que hoje fotografia e pintura trabalham juntas para cumprir esta finalidade.
Está no You Tube um documentário de um fotografo japonês, que resolveu estudar e por em prática o processo criado por Daguerre. O Daguerrotipo, uma espécie de clichê que até a relativamente bem pouco tempo permitia que se imprimisse nas gráficas uma imagem.
O Clichê foi substituído pelo fotolito, que permitia gravar em uma chapa, de uma maneira mais rápida uma imagem ou texto através de um filme gráfico, feito especialmente para isto, semelhante fisicamente a um raios-X, que é um processo de obter uma imagem onde a fotografia comum não alcança. Os Raios-X não deixam de ser um parente próximo da fotografia, mas com uma finalidade não documental.
Posteriormente, pos Daguerre, Niepse criou o Negativo que em principio era de vidro e que como o Dagerrotipo, exigia toda uma preparação química para que neste fosse gravado uma matriz, o negativo e deste fossem obtidas copias de contato em papel.
Mas que papel seria este?Um papel especial, tratado quimicamente permitindo que ao receber uma imagem de um negativo tornasse esta imagem positiva.
Seriam mais ou menos como as tintas e a tela do pintor.
A Tela, tal como o papel fotográfico necessitam de uma preparação previa para receber uma imagem.
Naturalmente sabe-se que a tela é muito mais antiga que o papel fotográfico.Hoje além do papel fotográfico, há uma variedade de materiais onde uma foto pode ser impressa e mais importante hoje há mais disponibilidade, com o advento digital obter-se uma imagem, imprimir, enviar via internet em uma velocidade inimaginável.
Este é um artigo de introdução aos caminhos que levaram a finalidade da fotografia e da pintura.Em outros artigos numerados da serie “A Cultura”, todos relacionados a fotografia como um todo.
sexta-feira, 19 de agosto de 2011
Dia Mundial da Fotografia
No dia 19 de agosto 1839, o mundo ganha uma das mais importantes - senão a - artes que o homem pôde criar até hoje: a fotografia!
Fotografar é o meio mais puro, verdadeiro de registrar o mundo como ele é de fato! Não há nada que o faça com tamanha eficácia...
Agradecimentos especiais ao grandes homens que fizeram história dedicando parte de suas vidas na descoberta da câmera obscura, senhores Leonardo da Vinci, Giovanni Baptista Della Porta, Miraculis Rerum Naturalium, Joseph Nicéphore Niépce, Louis Jacques Mandé Daguerre, Antoine Hercule Romuald Florence, entre outros.
"De todos os meios de expressão, a fotografia é o único que fixa para sempre o instante preciso e transitório. Nós, fotógrafos, lidamos com coisas que estão continuamente desaparecendo e, uma vez desaparecidas, não há mecanismo no mundo capaz de fazê-las voltar outra vez. Não podemos revelar ou copiar uma memória”. (Henri Cartier-Bresson)
Essa é minha homenagem a quem busca todos os dias ser correto, fazendo jus ao que o planeta dispõe, ensinando fundamentos, utilizando a fotografia de forma honesta, justa, agindo de boa índole, preservando e incentivando o bom caráter e contribuindo para o crescimento da qualidade fotográfica.
Meus parabéns a você, fotógrafo
Obs:
segundo o historiador Bóris Kossoy, houve uma descoberta isolada da fotografia no Brasil, pelo pesquisador Hércules Florence, seis anos antes do anúncio oficial do feito de Daguerre...
O Pai da Fotografia
Fotografar é o meio mais puro, verdadeiro de registrar o mundo como ele é de fato! Não há nada que o faça com tamanha eficácia...
Agradecimentos especiais ao grandes homens que fizeram história dedicando parte de suas vidas na descoberta da câmera obscura, senhores Leonardo da Vinci, Giovanni Baptista Della Porta, Miraculis Rerum Naturalium, Joseph Nicéphore Niépce, Louis Jacques Mandé Daguerre, Antoine Hercule Romuald Florence, entre outros.
"De todos os meios de expressão, a fotografia é o único que fixa para sempre o instante preciso e transitório. Nós, fotógrafos, lidamos com coisas que estão continuamente desaparecendo e, uma vez desaparecidas, não há mecanismo no mundo capaz de fazê-las voltar outra vez. Não podemos revelar ou copiar uma memória”. (Henri Cartier-Bresson)
Essa é minha homenagem a quem busca todos os dias ser correto, fazendo jus ao que o planeta dispõe, ensinando fundamentos, utilizando a fotografia de forma honesta, justa, agindo de boa índole, preservando e incentivando o bom caráter e contribuindo para o crescimento da qualidade fotográfica.
Meus parabéns a você, fotógrafo
Obs:
segundo o historiador Bóris Kossoy, houve uma descoberta isolada da fotografia no Brasil, pelo pesquisador Hércules Florence, seis anos antes do anúncio oficial do feito de Daguerre...
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| a maquiana pioneira |
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| o primeiro registro fotografico |
quinta-feira, 18 de agosto de 2011
PIN-UPS VERSUS FOTOS MODERNAS
PARA CONFERIR:
http://www.facebook.com/thepinupfiles
http://www.facebook.com/thepinupfiles
http://www.thepinupfiles.com/index.html
Atualmente o antigo "efeito" criado por Vargas se ampliou, com muitos fotografos e fotografas.Vale a pena conferir os sites
terça-feira, 16 de agosto de 2011
Fotografia e Conexão
A fotografia já existe há mais de 150 anos, mas até própria palavra CONEXÃO, só existe em relação à fotografia após o boom da internet.
Quanto ao mundo digital, o que atual neste minuto, no próximo já foi “atualizado”, veja as constantes atualizações dos programas digitais.
Um computador veloz hoje em um curto espaço de tempo se torna, menos eficiente porque já foi lançado algo melhor.
Minha primeira câmera digital, tem 6mp e “ainda funciona bem”, mas hoje uma câmera semi- profissional, inferior em categoria a minha “profissional” já tem 18 MP.
Hoje estar conectado, não é apenas ter uma banda larga em casa ou nos dispositivos moveis, por este motivo é que eu sou contra o ensino de fotografia analógica,e os processos que estão em desuso.
È importante saber o que é estética, o que é composição, o que é photoshop e observar sempre o trabalho de profissionais e artistas de todas as épocas, como base para uma nova fotografia.
Na minha escola de fotografia, nos anos 70 em Paris tínhamos aula de literatura, íamos a exposições em grupo e o objetivo era formar o “intelecto” do futuro fotografo, ensiná-lo a pensar, a fazer exercícios mentais que são o caminho para a criação, que só dão asas a imaginação.(Havia debates em classe.Eu achava chato, mas hoje sei a razão)
Uma comparação: Quando você se depara conversando com um pintor, que é um artista de verdade ,ele te conduz a um mundo até então desconhecido por você, mas se a conversa com um pintor for fácil, desconfie, questione,não a ele, mais quem o conhece.
(Saber ouvir faz parte “do jogo”)
Assim procedendo você saberá se o que você esta comprando é uma obra de arte.
As diversas técnicas de pintura são ensináveis, a criação nasce do artista.
Um Verdadeiro artista: Vic Muniz, fotografo e pintor.Tema do documentário LIXO EXTRAORDINÁRIO
segunda-feira, 15 de agosto de 2011
Data Errada
Nas primeiras fotos da da série Ensaios Analógicos 1, a data correta seria 2000 e não 2005 como estão nas fotos.
Estas fotos fizeram parte de uma exposição no Shopping Crystal.
Estas fotos fizeram parte de uma exposição no Shopping Crystal.
- Em outras postagem vou colocar mais fotos desta série com a data correta.
domingo, 14 de agosto de 2011
Ensaios Analógicos 1
Fotografo Cego ?
Como fotografo,com larga experiência, acredito no que se chama “visão
Fotográfica”.
E o que é esta VISÃO FOTOGRAFICA ?
Respondo: Não se trata de simplesmente ver, mas sim
De ver com a alma, o coração, um sentido que vai além dos sentidos
que todo ser humano tem.
Um fotografo vê um objeto, um ângulo, um motivo etc. de maneira só sua, mesmo
Outros fotógrafos não conseguem ver sobre o mesmo prisma.
Isto se aplica a todas as artes.Isto Faz um Pavarotti ser diferente de um Zeca Pagodinho...
Em minha opinião um cego pode cantar, Como Ray Charles, porque ele tem intacto o sentido da audição.Inclusive, uma curiosidade sobre Ray Charles é que ele era mulherengo. Sabe como ? , mesmo ser ver, pelo tato ele media a grossura do pulso das mulheres e tinha isto como seu ponto de partida.
Ray Charles também tocava piano e tinha naquele seu “balanço” um estilo próprio.
Infelizmente seu único ponto negativo era sua dependência por drogas, o que nos leva a uma pergunta: Porque alguém tão brilhante precisa de drogas?
Mas voltando ao fotografo cego,abaixo citado eu teria perguntas:
Como Fotografar sem ver?
Seria suficiente a opinião de outras pessoas, mesmo fotógrafos(as) julgar o seu
Trabalho e dizer que é bom?
Não estariam se aproveitando da deficiência dele, para promover eventos, satisfizer
A curiosidade das pessoas?
O QUE VEM ABAIXO É O QUE ESTA PUBLICADO NA INTERNET:
O fotógrafo cego
Nascido na Eslovênia, Evgen Bavcar ficou cego aos 12 anos de idade após sofrer dois acidentes. Mesmo assim ultrapassou os limites impostos pela deficiencia.
Poliglota, fala francês, espanhol, italiano, alemão, inglês, esloveno e servo croata. Sempre causando polêmica por onde passa, Bavcar não se intimida diante daqueles que não admitem que um cego possa fotografar. Para a execução das suas fotos, conta com a ajuda de sua irmã e com técnicas desenvolvidas ao longo dos anos. Entre algumas características do seu trabalho, destaca-se a composição da luz em contraste com ambientes totalmente escuros.
Freqüentemente também usa a técnica de multi-exposições e procura sempre interferir em seus trabalhos. Após uma coletiva com a imprensa em Londrina, Bavcar concedeu, com exclusividade, a seguinte entrevista para a Photos&Imagens.
Photos - Primeiro eu gostaria de saber como começou a sua relação com a fotografia.
Bavcar - Eu nasci na Eslovênia, na época uma das seis repúblicas da antiga Iugoslávia. Eu ainda era criança quando chegaram à Iugoslávia as câmeras russas Zorki 6, muito baratas e freqüentemente usadas pelos laboratórios. Minha irmã comprou uma câmera dessas e eu me interessei muito. Eu nunca havia visto uma câmera em toda a minha infância e minha irmã me emprestou a dela e me mostrou como funcionava. Ela me disse onde entrava a luz, o que era diafragma, a velocidade e o tempo. Depois fui à escola e fotografei uma menina pela qual eu era apaixonado. E assim começou uma relação muito interessante com a fotografia, porém isso não é tudo. Se eu não tivesse conhecido pessoas fantásticas como o sr. Bauchem Simom, que me ensinou como as imagens eram capturadas pelo filme, e outro senhor, que me ensinou o processo de funcionamento da câmera escura, eu não teria compreendido que a fotografia não é uma propriedade exclusiva das pessoas que vêem. Mas também uma propriedade possível dos cegos.
O fotógrafo cego
Nascido na Eslovênia, Evgen Bavcar ficou cego aos 12 anos de idade após sofrer dois acidentes. Mesmo assim ultrapassou os limites impostos pela defici
Poliglota, fala francês, espanhol, italiano, alemão, inglês, esloveno e servo croata. Sempre causando polêmica por onde passa, Bavcar não se intimida diante daqueles que não admitem que um cego possa fotografar. Para a execução das suas fotos, conta com a ajuda de sua irmã e com técnicas desenvolvidas ao longo dos anos. Entre algumas características do seu trabalho, destaca-se a composição da luz em contraste com ambientes totalmente escuros.
Freqüentemente também usa a técnica de multi-exposições e procura sempre interferir em seus trabalhos. Após uma coletiva com a imprensa em Londrina, Bavcar concedeu, com exclusividade, a seguinte entrevista para a Photos&Imagens.
Photos - Primeiro eu gostaria de saber como começou a sua relação com a fotografia.
Bavcar - Eu nasci na Eslovênia, na época uma das seis repúblicas da antiga Iugoslávia. Eu ainda era criança quando chegaram à Iugoslávia as câmeras russas Zorki 6, muito baratas e freqüentemente usadas pelos laboratórios. Minha irmã comprou uma câmera dessas e eu me interessei muito. Eu nunca havia visto uma câmera em toda a minha infância e minha irmã me emprestou a dela e me mostrou como funcionava. Ela me disse onde entrava a luz, o que era diafragma, a velocidade e o tempo. Depois fui à escola e fotografei uma menina pela qual eu era apaixonado. E assim começou uma relação muito interessante com a fotografia, porém isso não é tudo. Se eu não tivesse conhecido pessoas fantásticas como o sr. Bauchem Simom, que me ensinou como as imagens eram capturadas pelo filme, e outro senhor, que me ensinou o processo de funcionamento da câmera escura, eu não teria compreendido que a fotografia não é uma propriedade exclusiva das pessoas que vêem. Mas também uma propriedade possível dos cegos.
http://photos.uol.com.br/materias/ver/51144
Richard Avedon- Biografias 2
Richard Avedon
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
Richard Avedon (Nova Iorque, 15 de maio de 1923 — San Antonio, 1 de outubro de 2004) foi um fotógrafo estadunidense.
Biografia
Filho do fotógrafo russo Jacob Israel Avedon, estudou filosofia, por um breve período, na universidade de Columbia, em Nova Iorque, e tornou-se em 1941 Co-editor da revista The Magpie. Cumpriu o serviço militar entre 1942 e 44, após o que, foi estudar com Alexey Brodovitch no laboratório de design da New School for Social Research, em Nova Iorque.
Em 1945 tornou-se fotógrafo da Harper's Bazaar, e até ao fim da década fotografou também para a Theatre Arts e para a revista Vogue.
Em 1957 trabalhou na fotografia e foi consultor visual do filme "Funny Face" de Stanley Donen, nomeado para 4 Oscar’s da Academia de Hollwood, e com Audrey Hepburn e Fred Astaire nos principais. Esta colaboração não foi casual, pois o filme é baseado na carreira de Avedon e a personagem de Fred Astaire e inspirada directamente no fotógrafo nova-iorquino.
Apesar de já merecer um filme, a sua carreira não se encontrava nem a metade, e assim, após ser reconhecido pela Popular Photography em 1958 como um dos 10 melhores fotógrafos do mundo, Richard Avedon publicou a meias com o famoso escritor Truman Capote o livro "Observations", e mais tarde "Nothing Personal", com texto de James Baldwin.
O seu trabalho esteve exposto no instituto Smithsonian em Washington no ínicio da década de 1960, e após fotografar o movimento sulista dos direitos civis em 1963, tornou-se fotógrafo da revista Vogue, à qual se manteve fiel durante mais 34 anos.
Depois de fotografar o movimento antiguerra na América do final dos anos ’60, Avedon regressa às exposições quase uma década depois, desta feita no Minneapolis Institute of Arts, no estado do Minnesota, e 4 anos depois, em 1974 organiza no Museum Of Modern Art (MoMA) em Nova Iorque uma exposião com fotos do seu pai, intitulada naturalmente, "Jacob Israel Avedon".
Durante a década de 1970, fotográfa no Vietnam, e após regressar é alvo de mais uma série de exposições e de convites para ilustrar livros com as suas imagens, bem como duas publicações nos Estados Unidos com retrospectives do seu trabalho.
Em 1982 passa a fazer parte da "Hall of Fame" do Art Director's Club em Nova Iorque, e em 1985 publica mais um livro, desta feita intitulado "In The American West". Ainda no mesmo ano, começa a trabalhar em colaboração com a revista francesa Egoïst, e recebe uma série de prémios por realizar um anúncio para televisão, entre eles o prémio de excelência atribuído pela empresa do inventor do rolo fléxivel e responsável pela massificação da fotografia, a Eastman Kodak.
Em 1989 recebeu um Certificado de Reconhecimento atrbuido pela Universidade de Harvard, e durante a década de ’90, continuou a trabalhar, e a expor em diversos sítios recebendo inúmeros prémios de carreira e de mérito. Em ’93 publicou uma autobiografia, e no ano seguinte o livro "Evidence", vencedor do prémio de melhor livro de fotografia do ano, atribuído pela Biblioteque Nationale. Neste mesmo ano, recebe também um Doutoramento Honorário da Parsons School of Design em Nova Iorque.
No final da década publica o livro "Avedon: The Sixties", que conta com os melhores retratos feitos na década de ’60, uma verdadeira viagem visual ao interior de quase todas as personagens que marcaram aquela que culturalmente, foi um das décadas mais ricas do século.
No novo milênio, Avedon continua a receber prémios em todo o mundo com uma regularidade impressionante. Publica em 2001 o livro "Richard Avedon: Made in France" e continua a ser alvo de inúmeras exposições baseadas no seu trabalho recente e nos seus trabalhos mais antigos.
No ano antes de morrer, em 2003, Richard Avedon representa o papel de Mr.Apology na peça de Alec Wilkinson "Mr. Apology", de novo na cidade onde nasceu, em Nova Iorque. Recebe o prémio do 150º aniversário da Royal Photographic Society e mais dois prémios de carreira até falecer, a 1 de Outubro de 2004, em San Antonio no Texas, longe da sua terra natal, mas irónicamente enquanto trabalhava para a revista "The New Yorker".
No ano seguinte a The Richard Avedon Foundation é criada para garantir que a visão do fotógrafo é salvaguardada. Durante a sua longa carreira fotografou nomes tao distantes no tempo e no espaço social que ocupam, como Marilyn Monroe, Tennessee Williams, Bob Dylan, Henry Kissinger, Michael Moore, Paul Simon & Art Garfunkel, as 3 gerações de Martin Luther King, Andy Warhol e os elementos do seu atelier, a "Factory", Hilary Clinton, o lendário realizador John Ford, Malcolm X, Truman Capote, John Kerry e a portuguesa Teresa Simões-Ferreira Heinz-Kerry, Janis Joplin, o líder dos Mothers Of Invention Frank Zappa, Abbie Hoffman, o presidente das Nações Unidas Kofi Annan, Carmen Mayrink Veiga, John Galliano, Mae West, Samuel Beckett, o compositor Igor Stravinsky, Charlize Theron, o espanhol Pablo Picasso, o presidente dos Estados Unidos Dwight Eisenhower, Naomi Campbell, Charles Chaplin, Ringo Starr, George Harrison, Paul McCartney eJohn Lennon.
Análise temática
Analisando a regra de Richard Avedon, e não a excepção, ou seja, analisando os seus retratos de estúdio, pode-se induzir no erro de pensar à partida que as suas imagens não possuem uma temática. Embora em parte seja verdade, pois esses retratos, por hora, não tratam de nenhum temática específica, existe uma temática geral que os caracteriza e que é comum a todo o seu trabalho retratista.
Assim, pode-se dizer que o trabalho de Avedon, de uma forma geral, reflecte a realidade do ser humano destituída de noções espaço-temporais. As pessoas, são o centro de todo o seu trabalho, e quase sempre, não são só o centro, mas são também o único elemento da imagem. Por isso, Avedon concentra-se nelas e tenta retirar delas aquilo que elas transmitem, na sua forma mais pura.
Ao analisar a obra completa de Richard Avedon, um dos aspectos mais curiosos com que se depara, é um sentido de atemporalidade incrível. Tendo sido o século XX marcado por uma quase absurda massificação da imagem e dos ícones que se impuseram culturalmente em todo o globo, o espectador ganhou uma curiosa capacidade de relacionar todos esses rostos com um determinado acontecimento, e com uma determinada maneira de ser. Desta forma, Avedon apresenta grande parte desses rostos, desprovido da confortável sensação conferida habitualmente pelas referências espaço-temporais, totalmente nu perante o espectador, que não consegue evitar desenhar atrás deles o cenário que o seu subconsciente construiu acerca dessa pessoa. Da mesma forma, a mesma expressão facial em Henry Kissinger e Andy Warhol, transmite diferentes ideias ao espectador.
Richard Avedon não se limita a utilizar pequenas narrativas para contra histórias com o seu trabalho. Em vez disso, prefere testemunhar a História e a cultura do século XX através dos seus principais intérpretes, sem nunca ajuizar os seus sujeitos. Através da omissão dessas referências espaço-temporais, Avedon torna contemporâneas, personagens tão díspares, apresentando-as quase como se tivessem estado todas numa mesma grande festa. Por isso é que, apesar de aparentemente iguais, são tão diferentes as fotos que Avedon produz, quando o sujeito é um estranho, ou quando é uma personalidade que conta algo só pela sua presença. Quando é alguém que já conhecemos através dos media, Avedon trata de nos dar a sensação de que a nossa relação com essa personalidade é algo íntimo e pessoal, como se o conhecessemos, e se as suas memorias fossem as nossas.
É devido a esta naturalidade com que Richard Avedon capta os sujeitos, que o fotógrafo Americano consegue criar todo um processo de humanização de ícones pela mão de imagens que nos olham nos olhos e eventualmente, que nos atravessam.
Análise da composição da imagem
Sendo que o trabalho de Richard Avedon é quase exclusivamente constituído por retratos, também a composição das suas imagens é comum a quase todo o seu trabalho. Com manchas completamente contrastantes, as fotografias de Avedon apresentam um fundo simples, normalmente um cenário branco ou cinzento, com a imagem de uma pessoa em primeiro plano. Esse dualismo do complexo sobre o simples, torna as imagens de Avedon mais interessantes e valoriza a concentração na personagem, que por regra tem todas as imperfeições da cara bem definidas, com um pormenor infalível mesmo à luz da lupa.
Quase sempre, as personagens dos seus trabalhos encontram-se de frente para a câmara, em pé, centrados ou ligeiramente (e propositadamente) descentrados, e a meio de qualquer movimento ou expressão. Assim, Avedon utiliza com extrema frequência planos americanos, planos médios, e grandes planos, dependendo do sujeito, sendo que são extremamente raras as utilizações de um plano geral, que não seja para captar um grupo de pessoas, nas mesmas condições de estúdio que os seus retratos individuais.
Aspecto curioso também na maneira como compunha as suas imagens, é a forma como utilizava o espaço vazio. O espaço vazio, que ocupa normalmente mais de metade das suas imagens, mas que nunca perde o equilibrio, exerce como que uma força sobre as personagens, força essa que só vem a ser reforçada com um dos "clichés" de Avedon, que são as margens pretas que tem por hábito deixar nas bordas da imagem.
Análise cromática
Apesar da fotografia a cores ser algo raro na obra de Richard Avedon, que opta quase sempre pela dessaturização, os contrastes cromáticos no seu trabalho são extremamente ricos.
A luz intensa, e contudo dispersa que utiliza nos seus retratos torna os contrastes e o detalhe muito fortes, e isso faz com que sejam visíveis todos os tons de cinzento, branco e preto que a foto pode oferecer.
Ironicamente, aquela que provavelmente é a mais famosa série de imagens de Richard Avedon, conta com cores absurdamente vivas, como as fotos dos quatro Beatles de 1967, incluídas na edição de 9 de Janeiro de 1968 da revista Look, logo após o lançamento dos álbuns Sgt. Peppers Lonely Heart’s Club Band e Magical Mistery Tour, e apenas uns meses antes do lançamento do álbum homônimo, conhecido como White Álbum, naquela que foi uma das fases mais criativas da banda de Liverpool, e que coincide com o auge e saída da fase psicodélica dos britânicos. Possivelmente por esse mesmo motivo, é que Richard Avedon, paralelamente com outras fotos da banda que fez, decide criar quatro obras psicodélicas, uma com cada membro. Essas fotos representam cada membro de forma muito distinta, como que refletindo através da cor a personalidade de cada um. Tanto há quarenta anos como hoje, as personalidades dos Beatles, é conhecido do grande público. Sabendo disso e para servir esse propósito, Avedon faz outra coisa que é rara no seu trabalho, que é utilizar adereços propositados. Assim sendo, a simplicidade de Ringo é representada a duas cores (além do preto e do branco, naturalmente), por um pombo branco pousado na mão do baterista, e um tom de laranja pastel, quase castanho, que lhe ilumina a face e o tronco despido, deixando um azul inofensivo como a sua expressão, nas sombras que o corpo encobre.
George Harrison é apresentado também em tronco nú, com a mão levantada e pinturas Indianas a cobrirem lhe a parte de cima do tronco e da mão, que remetem para o lado espiritual do pupilo de Ravi Shankar. A foto utiliza um filtro verde que cobre toda a imagem, e é colmatada com um laranja extremamente saturado que substitui os tons fortes da imagem. Já Paul McCartney, é representado através de um azul extremamente claro, sem demasiada saturação, como se estivesse a tentar não incomodar ninguém, mas por outro lado, em perfeita harmonia com o lilás que cobre as sombras das fotos. Olha sereno para a câmara enquanto segura na mão o caule de uma planta com flor. Por fim, John Lennon, naquela que é provavelmente a imagem mais emblemática tanto dele como de Avedon, figurando até na capa da sua compilação "Avedon: The Sixties", está apresentado com quatro cores. O fundo em amarelo vivo define o tom com que a imagem vai contrastar. Assim, a sua pose altiva encontra-se com a parte iluminada da face, a roxo, e a parte escurecida pela sombra, colorada de vermelho. Por fim, os seus famosos óculos redondos, revelam umas curvas psicodélicas em vermelho e verde. Todas as cores desta imagem são altamente saturadas, como se estivessem a reforçar a idéia da controvérsia sempre gerada por John, e o reflexo do psicodelismo nos seus óculos também não foi com certeza mero acaso.
Na primeira pessoa
Na opinião de Richard Avedon, a fotografia é uma arte triste, pois perece, mas ainda assim permanece. Para evitar a tristeza e a morte que afirmava ter povoado o seu trabalho quando era mais novo, pois retratou personalidades como Jean Renoir, Igor Stravinsky e John Ford já no fim de vida, e carrega também no seu currículo uma foto que tirou nessa altura do seu pai Jacob Israel. No futuro que se seguiu, Avedon garantiu que não estava interessado em voltar a retratar a morte, pois isso era demasiado íntimo para a arte. Aponta para o seu pai como seu tutor, pois foi este que lhe ensinou o poder da luz na feitura de uma fotografia.
Enquanto crescia, essa cultura da fotografia foi alimentada pelos preciosos retratos da família Avedon. Richard Avedon recordava-se da família planejar cuidadosamente as composições das fotografias, dos trajes que vestiam, das poses que encarnavam, das casas e carros alheios que inseriam na foto numa tentativa de ostentar uma irrealidade, e dos cães que pediam emprestados para o mesmo efeito. De facto, por muito bizarro que pareça, estes acontecimentos não são ficcionados, e a família Avedon posava realmente para as fotos com cães emprestados. Era uma ficção construída ali mesmo, sobre a vida real daquela família Nova-Iorquina. Richard Avedon, anos mais tarde, encontra no espaço de um ano do álbum de família 11 cães diferentes, e recorda-se de serem utilizados quase sempre cães diferentes para cada foto dos Avedons. Era como se um cão fosse algo essencial para a sorridente ficção da família Avedon. Como o próprio em tempos disse, essas mentiras mostravam a farsa que eles eram, enquanto revelava a realidade sobre aquilo que almejavam ser.
Richard Avedon afirmava que na fonte do seu trabalho estavam uma série de "nãos". Dizer "não" a uma luz requintada, a uma aparente composição, à sedução de uma pose e de uma narrativa permitiu-lhe, e eventualmente forçou-o a dizer "sim" a algo. Para Avedon, é suficiente dizer "sim" a um fundo branco, à pessoa em que estava interessado e ao que se passa entre eles.
Viciado no trabalho, o nova-iorquino reclamava que se passa um dia em que não faça algo que esteja de alguma forma relacionado com a fotografia, é como se a sua vida se esvaziasse de existência, quase como se nunca tivesse chegado a acordar. Embora reconhecesse que a sua carreira na fotografia não foi totalmente premeditada, Avedon sabia que o o acaso de ser fotógrafo foi o que tornou a sua vida possível.
Em tempos, Avedon recordou a sua ida a Washington, para fotografar o mediático político Henry Kissinger. À medida que Avedon aproximou a câmara de Kissinger, este retorquiu "Seja gentil comigo". Sem nunca ter sabido o que realmente queria Kissinger dizer com aquilo, Avedon limitou-se a especular. Naturalmente, que tendo sido Secretário de Estado, Kissinger saberia bastante sobre manipulação de imagem, e por isso, esta preocupação do político realmente pôs Richard Avedon a pensar no significado daquela enigmática frase. Quereria Kissinger parecer mais sábio, mais caloroso, mais sincero do que ele próprio sabia que era? Avedon acreditava que é trivial e rebaixante fazer alguém parecer mais sábio ou nobre (algo que afirmava ser fácil de ser feito), ou até convencionalmente bonito, quando a pessoa por si só, sem artifícios é algo muito mais complicado, contraditório, e como tal, fascinante.
Richard Avedon não achava que a fotografia tinha que justificar a sua existência através do seu reconhecimento como "arte". Elas são memórias do homem, facetas contraditórias de um instante de uma vida enquanto sujeito, e das nossas vidas enquanto espectadores. Assim sendo, o nova-iorquino via as suas próprias fotografias como imagens vivas, prestes a saltar da imagem que nem as personagens do filme de Woody Allen, "A Rosa Púrpura do Cairo". Essas personagens das suas fotos, têm confrontos com os espectadores, e por isso é uma forma de arte tão distinta das outras. Desta feita, e ainda em referência a Henry Kissinger, Avedon lembra que o significado daquela fotografia, como o de tantas outras, é o de lembrar o terror e a maravilha que é uma fotografia, tantas vezes subvalorizada.
Dono de um universo constante e intemporal, Richard Avedon viveu 81 anos para testemunhar da melhor maneira possível o século com mais História que a Humanidade viveu. Até ao fim, fez questão de trabalhar, e de trabalhar em estúdio como sempre havia feito, pois isso isolava as pessoas do seu meio ambiente, tornando-as um símbolo daquilo que eram. E todas as pessoas consultavam Avedon, como se fosse um médico, na esperança que este lhes dissesse como é que elas eram na realidade. No entanto, e nas suas próprias palavras, todas as fotografias são verdadeiras. Mas nenhuma é verdade.
[editar] Fotografias famosas
Marella Agnelli, Italian socialite, 1953
Carmen Mayrink Veiga, Brazilian socialite (Vogue´s 10 best dressed), 1970
Dovima with Elephants,1955
Marilyn Monroe, actress, 1957
Homage to Munkacsi, Carmen, coat by Cardin, Paris 1957
Dwight David Eisenhower, President of the United States, 1964
The Beatles, 1967
Andy Warhol and Members of the Factory, New York 1969
Sly Stone (cover of Fresh Album), 1973
Ronald Fischer, beekeeper, 1981
Nastassja Kinski and the Serpent, 1981
Pile of beautiful people, Versace campaign 1982.
Livros de Richard Avedon
Observations, 1959:
Nothing Personal, 1964:
Alice in Wonderland, 1973
Portraits, 1976
Portraits 1947-1977, 1978
In the American West, 1985
An Autobiography, 1993:
Evidence, 1994
The Sixties, 1999
Made in France, 2001
Richard Avedon Portraits' 2002
Categoria: Fotógrafos dos Estados Unidos
Comentario Pessoal:
Ele foi o meu maior mestre,acredito que mais que um fotografo ele é um gênio criador.Ao contrario de bons fotografos brasileiros, sua carreira foi longa e quem fotografou com ele pode ser considerado um previlegiado.
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| Carmen Mayrink Veiga, Brazilian socialite (Vogue´s 10 best dressed), 1970 |
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| Presiddente Kennedy and Wife |
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| Richard Avedon em ação |
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